赤、青、黄、緑などいくつもの色群が、微妙なグラデーションをともなって画面に漂っている。空を見上げたり、水面をのぞき込んだり、すりガラス越しに眺めたりするときに、眼前に広がる景色のようでもある。鮮やかな色彩に満ちた絵画空間は、どこかモネの作品に描かれた睡蓮の浮かぶ水面や、ルドンの風景画の色彩が混ざり合う幻想的な空を想起させる。色群同士が重なり合う部分には、新たな色空間が生まれている。画面上で色彩が何層にも重なり、複雑に絡み合う絵画世界だ。実作品に対峙すると、また新たな感覚を覚える。まず、そのスケールに圧倒される。高さも幅も2mを超えるキャンバスに色彩が満ちている。観るというより、色の「もや」に包まれる、といった方がよいかもしれない。鑑賞者は、作品から近づいたり遠ざかったり、自ら移動しながら、色が移行する様を体感することになるのだ。また、間近で観ると、何かを象る輪郭や境界線がないことに、初めのうちは戸惑いを覚える。焦点が定まらないからだ。境界は滲み、色が素地に染み込んでいる。画面は滑らかで、絵具とキャンバスとが一体化している。まばゆいほど鮮やかでありながら、柔らかさや深みを感じる色彩が不思議な光を宿している。
色の付いた大気に包まれるような深い鑑賞体験。その背後にあるのが、根岸芳郎が長年追究する絵画技法ステイニング※1 と独特な制作プロセスである。地塗りしない綿キャンバスにアクリル絵具を染み込ませていくこの技法は、滲みやぼかしにより境界があいまいになる特徴を持つ。根岸の用いる水性アクリル絵具は、透明度が高く、乾燥後は耐水性になるため、下の色を生かしながら塗り重ねることに適している。根岸は、キャンバスを床に置き、大きな作品はそのうえに橋を渡して、画面を俯瞰しながら制作する。水で湿らせたキャンバスに刷毛で描いては乾くのを待ち、画面のバランスをみて、またその過程―湿らせ、描き、乾かす―を繰り返す。描き重ねのプロセスは１作品で何十回にもおよぶという。こうした時間の積み重ねが、透明感のある色層を通し、奥行きとなって表れているのだ。
根岸がアクリル絵具やステイニングに出会ったのは、1970年代、ボストン美術館付属美術学校への留学時代である。「硬く表面を覆う感覚」※2 の油絵具ではなく、画布に浸透しやすい水性アクリル絵具を選んだ背景には、書や水墨画に親しんできた東洋的な感性が影響しているのかもしれない。実際、根岸は現地で西洋のアルファベットのカリグラフィを教えている現場を目の当たりにし、文字を正確に再現し平面へと還元することを目的とした西洋の感性と、呼吸、運筆といった身体性が関わり、滲みや掠れなど空間性を意識した東洋の書にみられる感性との間に大きな違いを感じたという。その「滲み」は、根岸の絵画にとって重要な意味を持つ。絵具が滲み、素地に染み込むことで、色群の重なる部分とはみ出る部分ができ、境界があいまいになる。揺らいだ境界により、イメージは固定化されず、いかようにも変容する。作家は、かつてインタビューのなかで、「滲み」を松尾芭蕉の俳句の言葉「岩にしみ入る蝉の声」にたとえている。※3 芭蕉が蝉の鳴き声の向こうに現実を超えて広がる閑 [しずか] さを感じたように、根岸の絵画の滲みは、鑑賞者の感覚を揺さぶり、画面を超えて広がる果てしない空間を感じさせてくれる。